Rimando con "Kafka"

If You're Feeling Sinister (Belle and Sebastian, 1996)

POP DE CÁMARA. If You're Feeling Sinister es una cumbre para Belle and Sebastian. La más alta. Un disco que es como un cuento precioso con los dibujos en su sitio, brillando y estallando en mil colores, y lleno de palabras refulgentes en una pieza de orfebrería literaria incomparable en el mundo del pop.

Stuart Murdoch erigió su catedral con este segundo disco, un homenaje impresionante al pop de toda la vida. Ese que pone la melodía en el centro de todas las cosas. Y a la vez no se olvidó de las historias para contarlas con sencillez pero no simpleza, con un dominio de la lengua inglesa que hace que nos maravillemos por lo que se cuenta y nos derritamos por cómo se cuenta. Ese engarce sublime de fonemas como perlas de un collar es el que hace que no podamos dejar de cantar estas canciones. Porque paladear estas palabras mientras les insuflamos el aire necesario y modulamos en la nota adecuada es uno de los placeres más infinitos que la música puede darnos. No es sólo su sonoridad, es sobre todo cómo se hilan unas con otras para formar tapices de una hermosura inmaculada.

Con este álbum los escoceses consiguieron un pasaporte hacia la eternidad. Es uno de esos clásicos que marcan época. Uno de esos con los que no se puede ser mezquino, porque lo tiene todo. Tiene las mejores canciones que el pop puede fabricar, el tono justo de melancolía y emoción para no entrar en terrenos sentimentaloides, y una portada soberbia teñida de rojo en la que la protagonista aparece agarrada a, no se lo pierdan, El proceso (Franz Kafka, 1925). Decididamente no se puede pedir más. No sin ser un enterado, elitista y pagado de uno mismo. Precisamente, y no es de extrañar, el perfil del amante perfecto para este disco.

★★★★★

1 The Stars of Track and Field 4:48
2 Seeing Other People 3:48
3 Me and the Major 3:51
4 Like Dylan in the Movies 4:14
5 The Fox in the Snow 4:11 ❤
6 Get Me Away From Here, I'm Dying 3:25 ❤
7 If You're Feeling Sinister 5:21
8 Mayfly 3:42 ❤
9 The Boy Done Wrong Again 4:17
10 Judy and the Dream of Horses 3:41 ❤

Total: 41:18

Xxx

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Teatro à go-go

The Doors (The Doors, 1967)

ROCK TEATRAL. Así entraron los Doors en la historia de la música. Por la puerta grande. Como solo unos pocos elegidos han sido capaces de hacerlo. Con la entrega de un obra monumental que hoy es un pedazo vivo de la historia del rock. Los Doors basaban su poder en las habilidades individuales de cuatro miembros que se convertían en una máquina musical épica. El resultado sobrepasaba lo que eran capaces de hacer de uno en uno. Todas las influencias de música clásica, guitarra flamenca, jazz y poesía maldita no eran nada especial por separado. Cuando unían fuerzas y se dejaban guiar por las visiones lisérgicas del chamán Jim Morrison, entonces demostraban todo su poder.

Y un gran poder conlleva una gran responsabilidad. De todas formas nada iba a limitar, coartar o intimidar a esta banda en su estreno, una demostración de que se podía ser diferente en la época de las flores y la primavera del amor. El rock de The Doors tenía poco que ver con los hijos de acuario. Era demasiado oscuro, se basaba en los postulados dionisiacos de Nietzsche, bebía de la poesía pagana de Arthur Rimbaud, de la maquinaria angelical de los beatniks, de la tragedia griega, de Chopin y de Willie Dixon. Toda esta amalgama de ruidos negros, cabareteros, tribales, urbanos... produjo un disco que selló el sonido único del grupo. Ese órgano de Manzarek, que era su seña de identidad, esos recitados y entonaciones de crooner o de niño salvaje por parte de Morrison, la guitarra punzante, pellizcada y sutil de Krieger y la batería espaciada, jazzy, precisa de Densmore.

Si se buscan momentos rockeros se pueden encontrar en "Break on Through", "Soul Kitchen", "Light My Fire" o "Take It as It Comes"; el toque blues todavía no era claro, aunque atruena en la rotunda "Back Door Man"; el cabaret centroeuropeo se abre paso a codazos con el clásico de Bertolt Brecht y Kurt Weill, "Alabama Song"; también hay piezas reflexivas, oscuras y envolventes como "The Crystal Ship" o "End of the Night". Pero, sin duda, en relación con este último grupo se lleva la palma "The End", improvisación edípica de más de 11 minutos, donde las piezas simplemente encajan sin ordenar un caos de música hindú u oriental, versos oníricos en los que la celebración de la muerte torna afirmación de la vida como un viaje por desiertos plagados de serpientes, carreteras de 8 millas de largo hacia el lago ancestral, hacia el asesinato del padre y el … con la madre. Devastador final para un disco alucinante.

★★★★★

A1 Break On Through (To the Other Side) 2:25 ❤

A2 Soul Kitchen 3:30 ✔

A3 The Crystal Ship 2:30 ✔

A4 Twentieth Century Fox 2:30 ✔

A5 Alabama Song (Whisky Bar) 3:15 ✔

A6 Light My Fire 6:50 ❤

B1 Back Door Man 3:30 ✔

B2 I Looked at You 2:18 ✔

B3 End of the Night 2:49 ✔

B4 Take It as It Comes 2:13 ✔

B5 The End 11:35 ❤

Total: 43:25

A la hora de publicar "Light My Fire" como single se vieron con la dificultad de su larga duración, por lo que tuvieron que amputar el interludio con los solos de teclado y batería. Sin duda, eso la convertía en una pieza ñoña, convencional y sin miga. Aun así, triunfó rotundamente.

Es famosa la incidencia del show de Ed Sullivan, cuando presentando el disco tenían que tocar "Light My Fire". Como queda documentado en la película The Doors de Oliver Stone, no atendieron a la "sugerencia" de cambiar el verso "girl we couldn't get much higher" (chica, no podríamos colocarnos más) porque no era apropiado para la TV. Al ser en directo no pudieron censurarlo, aunque eso les valió el veto del programa en el futuro.

Sí que en la discográfica lograron censurar partes de "Break On Through" y "The End". En la primera sustituyeron "she gets high" (ella se coloca) por "she gets, she gets". En la segunda simplemente eliminaron todos los "fuck" que bramaba Jim continuamente al final. Bonito mantra que nos perdimos hasta que hace poco pudimos disfrutar de la versión original.

✠✠✠

"World Pacific Studios Demo" (The Doors, 1965) [BOOTLEG]

ROCK.

1. Moonlight Drive
2. Hello, I Love You
3. Summer's Almost Gone
4. My Eyes Have Seen You
5. End of the Night
6. Go Insane

Total: 15 min. 

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Un océano de color

 Everything's Alright Forever (The Boo Radleys, 1992) 

SHOEGAZE. En el segundo empiezan a diversificar sus influencias dentro de un ruidismo que dominaban y seguían explorando como nadie. Seguía siendo shoegazing y seguían adorando impúdicamente la avalancha sónica de My Bloody Valentine, pero como el grupazo que ya eran, lo hacían sin quedarse en la superficie. Por eso entre las volutas de feedback en flor dejan que se escape el pop absoluto de The Beatles y The Beach Boys junto al pellizco inextirpable de Love.

Y esos son los ramalazos que acercan esto al britpop, a lo melódico, pero desde la calidad y lo tangencial. Y es que, al ser una propuesta dura y con muchas más aristas que la media que llenaba ese saco, derraman la idea de que estamos ante un grupo con ganas de explorar un nicho propio a través de un territorio que todos creían conocer, pero en el que muy pocos se atrevían a escarbar en busca de hallazgos con los que trabajar.

Everything's Alright Forever es un álbum de ruido expansivo, de sonido holofónico y tridimensional en su vaivén incesante. Un disco que parece que está vivo y que se nos aloja en el oído interno sin esfuerzo para acurrucarse allí para siempre. Es lo que pasa cuando se tienen tantas ganas, tantas melodías y tanto talento. Solo con un minuto y medio, el de "Lazy Day", ya es para caer de rodillas ante la maestría de Martin Carr y sus compinches. No hacen falta muchas escuchas para verlo: grupazo con todas sus letras. 

★★★★☆

1 Spaniard 4:02

2 Towards the Light 1:41

3 Losing It (Song for Abigail) 4:02

4 Memory Babe 3:19

5 Skyscraper 4:46

6 I Feel Nothing 3:06

7 Room at the Top 5:05

8 Does This Hurt? 3:56

9 Sparrow 1:51

10 Smile Fades Fast 3:13

11 Firesky 5:05

12 Song for the Morning to Sing 2:30

13 Lazy Day 1:34 ✠

14 Paradise 5:50

Total: 50:00

 

Lo primero que llama la atención del grupo es su nombre, sacado de un personaje de Matar a un ruiseñor (Harper Lee, 1960). Un personaje que solo aparece al final de la novela, pero cuya presencia permea la obra en forma de criatura misteriosa y fantasmagórica que acecha a los protagonistas en forma de recuerdos, ruidos y sombras en la oscuridad. 

Un nombre que alienta el misterio y las ínfulas literarias de un Martin Carr que siempre puso el tratamiento del sonido por encima de lo lírico en su música, pero que tampoco renunció a tratar de decir cosas en sus canciones. Aunque luego las cantara Sice Rowbottom, que todo hay que decirlo.

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